LGF (Cap.3). EN EL LUGAR CORRECTO, A LA HORA ADECUADA

HENRY CARTIER-BRESSON. 1932. Detrás de la Estación Saint Lazare. París

 ¿Qué aportó la cámara Leica a la historia de la fotografía? Leica vs Contax

Generó un nuevo estilo de fotografía instantánea. La cámara Leica era compacta, silenciosa y con las mejores lentes del mercado. Su ligereza brindó al fotógrafo aumentar exponencialmente su capacidad de movimiento, un universo de posibilidades frente a las pesadas cámaras de placas que utilizaban los profesionales hasta ese momento.


Leica fue la primera cámara del llamado paso universal que utilizó película de 35mm. La inventó el ingeniero Oscar Barnack en 1913, pero se comercializó en Alemania en 1925 con el nombre de Leica I. Oscar Barnack propuso su invento a Carl Zeiss, por entonces el mayor productor de cámaras del mundo, pero no lo aceptó. Barnack presentó su invento al competidor,  Ernst Leitz, con quien construyó la Leica I. Fue tan grande el éxito que a Zeiss sólo le quedó inventar otra cámara para competir con Leica. En 1932 apareció el primer modelo Contax. Los sucesivos modelos de Contax se fabricaron hasta 1961, ofreciendo para profesionales como Robert Capa, mejores prestaciones que la afamada Leica: la calidad y amplitud de objetivos Zeiss era más alta, en todos lo sentidos, que la de Leitz. Ambas fueron introduciendo mejoras, pero Leica adquirió mayor prestigio gracias al incuestionable trabajo de fotógrafos como Cartier-Bresson.

Otra peculiaridad de la Leica es que la situación del visor permite tener el otro ojo libre para ver lo que está fuera de campo, lo que sucede alrededor, una característica técnica de la que fotógrafos como Cartier Bresson, supieron obtener el máximo rendimiento. 

¿Quién era Cartier-Bresson? ¿Cuál era la singularidad de su trabajo y qué relación tenía con el surrealismo?

Cartier-Bresson (1908-2004) fotógrafo francés. Fue el creador del concepto más conocido en el mundo de la fotografía, “ el momento decisivo”: estar en el momento correcto y a la hora adecuada. El origen de su particular modo de expresión surgió en París, en 1932, cuando realizó la fotografía que para muchos es la mejor fotografía del s. XX, “Detrás de la Estación Saint Lazare”.
Armado con una cámara nueva y revolucionaria, la Leica, captó la fugacidad de la vida cotidiana, con un exquisito esmero tanto en el contenido como en la composición de sus encuadres. Siempre mantuvo que sobre todo y ante todo era pintor, pero fue a través de la cámara fotográfica como se singularizó, como fue considerado el padre del reportaje fotográfico. Cartier Bresson se movió en los círculos del surrealismo, ellos consideraban que existe una realidad superior más allá de las apariencias, y que a veces se presenta ante nosotros pero hay que esperar a que suceda.

¿Quién era Vaccaro y qué aportó a la fotografía de guerra?

Tony Vaccaro (1922). Fotógrafo y periodista estadounidense. En un hombro colgaba su cámara, en el otro el fusil. Por sus fotografías de la Segunda Guerra Mundial, ha sido comparado con Robert Capa pero la diferencia es que no era reportero de guerra sino soldado que amaba la fotografía y decidió documentar el día a día, desde dentro. Llegó a revelar sus negativos en plena guerra, usando como cubetas los cascos de sus compañeros. Desgraciadamente éstas imágenes no nos han llegado, el censor destruyó los 10 carretes que Vaccaro había revelado en el frente por contener imágenes de soldados muertos. Vaccaro se llevó al frente una Argus C3, una pequeña cámara de 35mm., cargada con una película de 36 exposiciones, más económica que la Leica y menos engorrosa que la Speed Graphics, cámara que  por entonces facilitaba el ejército como equipo estándar.
Vaccaro sentía que era más importante la foto que la supervivencia.

Qué es The Family of man?. Cuál fue su comisario y qué aportó a la historia de la fotografía en los museos? Con qué fotografía se cerraba la muestra?

En Nueva York, en 1955, La Fotografía hizo una declaración pública en defensa de la humanidad, fue la exposición titulada The Family of man, en el MOMA, con más de 500 imágenes de 273 fotógrafos, profesionales y aficionados, seleccionados entre millones de fotos. Se prepararon 5 versiones distintas que dieron la vuelta al mundo, en 1964, la había visto más de 9 millones de habitantes, de modo que se convirtió en la exposición fotográfica más famosa de todos los tiempos. La selección encierra el mensaje humanista “todos somos iguales”. Suprime la visión individual del fotógrafo y evita mostrar realidades históricas, políticas, económicas o ideológicas que destruyen la esencia del ser humano. El catálogo nunca ha dejado de imprimirse.

Fue comisariada por el entonces director de fotografía del museo, Edward Steichen.
La muestra termina con una fotografía costumbrista y optimista de Eugene Smith, sus hijos salen de la mano hacia el jardín, hacia la luz, hacia la vida, éste era el mensaje de esperanza que encerraba la exposición, después de los desastres de la guerra.

EUGENE SMITH. "The Walk to Paradise Garden" (1946)

Qué es Magnum? Quién, cuándo y por qué la crearon?

Mágnum es una cooperativa de fotógrafos creada en 1947 por Robert Capa, Cartier-Bresson, George Rodger, David Seymur, Bill Vandivert,  con dos administradoras, eran María Eisner y Rita Vandivert. Se creó para controlar la difusión de sus imágenes a partir de la propiedad de los negativos para poder trabajar con una independencia total. A la vez, Magnum se creó para ser una sociedad de socorros mutuos y un sindicato que negociase con los medios el precio y las condiciones de sus trabajos.
Actualmente la Agencia Magnum tiene oficinas en Nueva York, París, Londres y Tokio. En la nómina de la agencia Magnum figuran algunos de los fotógrafos más importantes de la historia del fotoperiodismo como Sebastiao Salgado, Marc Riboud, Werner Bischof, Inge Morath, Josef Koudelka, René Burri, Eve Arnold, Leonard Freed, Cristina García Rodero, etc..

En qué se diferencia el trabajo de Eugene Smith y Shomei Tomatsu?

Eugene Smith (1918-1978) buscaba obsesivamente capturar las noticias cuando se producían. Por el contrario Tomatsu (1930) pone en duda la necesidad de estar presente en la batalla, crea un lenguaje simbólico, toda una provocación para los fotógrafos de guerra. Smith muestra, Tomatsu sugiere.

Tomatsu

Por qué se caracteriza el trabajo de Simon Norfolk?

Simón Norfolk (1963). Desde una mirada pausada y reflexiva y con su cámara de gran formato recoge lo que se oculta en el paisaje. Paisajes pre y posbélicos. Por un lado fotografía los espacios naturales utilizados por el ejército para realizar maniobras, hay una calma inquietante, no se ve la guerra pero se intuye. Luego, documenta fotográficamente el paisaje después de la batalla, edificios, calles vacías, espacios devastados, orografías y restos de la acción bélica, en aquellos escenarios donde se ha intervenido militarmente.

Al mirar las imágenes posbélicas de Norfolk, recuerdo el trabajo de Roger Fenton (1819-1869) en la guerra de Crimea, “El valle de la sombra de la muerte” (1855), donde se ve un barranco destrozado cubierto de balas, sin soldados ni combates ni muertos.